art pictural

Albert Gleizes

Paris, 1881- Saint Rémy de Provence, 1953.

Il était peintre, graveur, illustrateur, auteur et a laissé une œuvre originale. Son apprentissage commence auprès de son père, dessinateur technique. Il se lie avec Le Fauconnier, Metzinger et Delaunay.

Il participe à la consécration du mouvement cubiste au Salon des Indépendants de 1911.

Démobilisé en 1915, il se rend aux Etats-Unis, à Barcelone, aux Bermudes. Il oscille entre les influences de Picabia*, de Duchamp*.

Préoccupé par les questions sociales et intellectuelles, il fonde en 1927 une communauté d’artistes artisans à Moly Sabata dans l’Isère.

La décoration murale constituera une part importante de son travail qu’il expose en 1937 aux côtés de Sauvage et de Léger.

En 1939, il s’installe définitivement à Saint Rémy de Provence. Il vit au mas des "Méjades" avec Juliette Roche, et ses deux chiens, Wisky et Tabou.

Il écrit « Du Cubisme » en 1912. Il illustrera « Les Pensées de Pascal » en 1950.

Ses œuvres sont présentées dans les plus grands musées du monde et dans les collections les plus importantes.

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Tag de Circle

Avignon

Albert Gleizes

Paris, 1881 – Avignon, 1953

Composition à sept éléments, 1943

Huile sur toile

Albert Gleizes

Paris, 1881 – Avignon, 1953

Composition à trois éléments, 1923

Huile sur toile

Albert Gleizes (Paris, 1881 – Avignon, 1953)

Maternité glorieuse, 1935

Huile sur toile

Dans ce tableau qui réactualise l’iconographie chrétienne de la Vierge et de l’Enfant, Gleizes enveloppe les aplats centraux bleus, verts et rouges d’un réseau de cercles concentriques où l’on retrouve les couleurs modifiées de l’accord central. Il s’agit pour Gleizes d’un rapport d’ordre entre couleur et lumière, dont il trouve le modèle dans le motif de l’ »Arc-en-ciel », hérité de la peinture romane, qui va prendre de plus en plus d’importance dans son œuvre.

Rouen

Albert Gleizes

1881 – 1953

Ecuyère vers 1920-1923

Huile sur toile

Albert Gleizes

1881, Paris – 1952, Avignon

L’Ecolier

1924

Gouache et tempera sur toile

Il expose au Salon d’Automne de 1904, dans un style impressionniste tardif. Puis il se lie avec Le Fauconnier, Metzinger, Robert Delaunay, Fernand Léger et Marie Laurencin. Ils exposent dans la salle 41 du Salon des Indépendants de 1911, suscitant l’appellation péjorative de « cubisme », aussitôt récupérée par Apollinaire. En 1912, Gleizes se rapproche des frères Duchamp et participe aux réunions de la Section d’Or à Puteaux. Gleizes est mobilisé puis gagne New York où il participe à l’Armory Show en 1913. Revenu à Paris en 1919, il développe ses idées de façon rigoureuse à l’attention de ses premiers élèves. Il obéit aux principes de « translation » et de « rotation ».

Musée Cantini

Marseille

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Francis Picabia

1879 - 1953

1948

Musée Pierre André Benoît

Alès

Francis Picabia

1879 - 1953

Composition

1946

Huile sur carton pressé

Musée Pierre André Benoît

Alès

Francis Picabia

1879 - 1953

Symbole

1950

Huile sur contreplaqué

Musée Pierre André Benoît

Alès

Jacques Villon (dit Gaston Emile Duchamp)

1875, Damville – 1963, Puteaux

Lutteurs

1937

Huile sur toile

Musée Cantini

Marseille

Dans leur atelier de Puteaux, les frères Raymond Duchamp-Villon, Marcel Duchamp et Jacques Villon, accueillent Gleizes, Metzinger, Léger, Le Fauconnier, La Fresnaye et Picabia, constituant en 1912 le groupe de la Section d’Or. Les discussions portent sur le cubisme, le futurisme italien et les règles de la composition, à la lumière du traité de la peinture de Léonard de Vinci.

Participant en 1913 à l’Armory Show à New-York (importante exposition consacrée à l’art moderne), Villon se consacre à la peinture de plus en plus intensément, traitant le volume par plans découpés et superposés et choisissant ses couleurs en se référant au « cercle chromatique ».

Il adhère en 1932 au mouvement Abstraction-Création, fondé à Paris l’année précédente par Herbin et Vantongerloo, influencé par le concept futuriste des « lignes de force », il utilise très tôt une iconographie – athlètes, chevaux de course, soldats en marche, équilibristes – qui l’autorise à développer sa recherche d’une figuration dynamique.

« Le dessin-contour doit être remplacé par le dessin-rythme, qui s’enroule et se déroule, exprimant l’intention de la vie à travers les choses. »

Philippe Garel 

Marcel Duchamp.

Saint-Pierre-de-Varengeville 

Centre d'art contemporain Daniel Havis

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Berthe Morisot.

Elle est née en 1841, fille de préfet. Elle peint et expose avec les réprouvés sans public, Manet, Monet, Degas, Renoir. Leur première exposition remonte à 1874. L’année 1886 est celle de la fin.

Elle est un des modèles d’Edouard Manet, et aussi son amie. Elle aime sa vie de famille et peindra les scènes familiales avec son entourage féminin.

Elle a demandé à Renoir et à Mallarmé d’être membre du conseil de famille et a institué Renoir comme tuteur de sa fille Julie.

Julie Manet (1878 – 1966)

Julie Manet est la fille de Berthe Morisot et d’Eugène Manet, le frère d’Edouard. Elle est aussi artiste peintre.

Ce sont les enfants de Julie Manet qui ont légué une partie de la collection au musée Marmottan et au Louvre.

Geneviève Mallarmé. Née en 1864

Elle est la fille de Stéphane Mallarmé, poète français.

Son père lui a interdit d’apprendre le piano. « Pendant ses longues heures de rêverie qui sont la condition absolue de son travail », il refuse d’être interrompu.

Paule et Jeannie Gobillard.

Nièces de Berthe Morisot. Orphelines de leur mère, Yves, sœur de Berthe, décédée d’un cancer de la bouche, en 1883, et de leur père, Théodore Gobillard, décédé en 1879. Elles ont un frère Marcel. Paule peindra.

Jeannie apparaîtra dans quinze œuvres de Berthe Morisot, dont :

Portrait à la poupée (1883 et 1886)

Petite danseuse

La Sonate de Mozart (avec Julie en 1894)

Dans le pommier

Sous le cerisier

Le flageolet

Portrait de Jeannie

Paule sera peinte en 1884, en 1887 avec un portrait. Elle sera représentée en robe de bal et à son chevalet.

Berthe Morisot, peintre oubliée de l'impressionnisme, mise en lumière au Québec.

(…) Le Musée national des Beaux-Arts du Québec remet à la place qu'elle mérite cette grande artiste en lui consacrant une exposition, jusqu’au 23 septembre 2018.

(…) Elle sera l’une fondatrices du mouvement
impressionniste et une de ses principales représentantes : elle fera partie des huit peintres qui vont faire la première exposition du groupe en 1874 et elle exposera ses toiles à sept des huit expositions des impressionnistes.

(…) Mais Berthe Morisot était une femme de caractère : quand elle épouse Eugène Manet, le frère d’Édouard Manet, elle continue de peindre et elle signe ses toiles de son nom de jeune fille. Elle peindra jusqu’à la fin de sa vie.

https://information.tv5monde.com/terriennes/berthe-morisot-peintre-oubliee-de-l-impressionnisme-mise-en-lumiere-au-quebec-250612

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Le musée d’Orsay célèbre Berthe Morisot à travers des toiles très rares venues du monde entier et de collections privées. L’une des grandes expos de l’été.

Berthe Morisot

France, 1841 – 1895

Jeune fille lisant

Pastel

Musée d’Assezat

Fondation Bemberg

Toulouse

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Bateaux au soleil couchant

Edouard Manet

Edouard Manet

Paris, 1832 – 1883

Le lapin

1866

Huile sur toile

Collection Jacques Doucet

Edouard Manet

Paris, 1832 – Paris, 1883

L’Automne (Portrait de Méry Laurent), 1882

Huile sur toile

La Nancéienne Anne-Rose Louviot, plus connue sous son nom de demi-mondaine Méry Lurent, pose pour une figuration de l’Automne. Elle est enfouie dans une pelisse du grand couturier parisien Worth. Ce portrait a été commandé par Antonin Proust. Depuis 1876, Méry Laurent est l’amie intime et le modèle préféré de Manet.

Parmi ses admirateurs, on trouve James Whistler, Henri Gervex, peintres,  Stéphane Mallarmé,   François Coppée, poètes,  Reynaldo Hahn (compositeur).

Musée des Beaux-Arts

Nancy

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« Mon cher Whistler,

je suis bien en retard pour t'écrire mais ce qui est cause de cela c'est l'absence de choses intéressantes à te dire. (…) Je vais au Louvre toujours mais je vois peu de monde ; dans ce temps-ci, les maîtres du passé ont peu d'amateurs. Une fois ou deux je vais au café des Batignolles où je vois Manet, Degas, Duranty, etc. C'est peu intéressant, Manet toujours le même, très aimable pour moi. (...) »

En mai 1869, Fantin se fiance avec Victoria Dubourg, artiste peintre rencontrée au musée du Louvre en 1866 qu'il épousera sept ans plus tard.

Edouard Manet

Au café-concert

1880

Encre de Chine avec rehauts de gouache

Musée Cantini

Marseille

Collection Burrell

Ce dessin a été réalisé d’après Le Café-concert, peinture qui se trouve dan la collection de la Walters Art Gallery de Baltimore. Il a été publié dans la Vie Moderne qui présentait des reproductions de plusieurs œuvres de Manet, à une époque où les photographies en couleur de qualité n’existaient pas encore.

Edouard Manet

Le Bailarin Etude pour le portrait de Don Mariano Camprubi

Vers 1862 – 1863

Crayon, pinceau et encre de Chine sur papier

Musée Cantini

Marseille

Collection Burrell

Fasciné par la culture espagnole, Manet connaît son premier succès avec le Chanteur espagnol qu’il expose au Salon de 1861. L’année suivante, le peintre assiste à de nombreux spectacles donnés par la troupe du Théâtre royal de Madrid. Il convainc le chorégraphe et premier danseur, Mariano Camprubi de poser pour lui.

Le peintre conservera ce dessin dans son atelier jusqu’à sa mort.

Edouard Manet

Le Jambon

Vers 1875 – 1880

Huile sur toile

Musée Cantini

Marseille

Collection Burrell

La peinture a appartenu à Edgar Degas qui s’est photographié devant ce tableau avec son ami le peintre et sculpteur Bartholomé. Paul Gauguin, l’une des rares personnes à qui Degas ouvre sa porte, voit probablement cette œuvre chez lui lors de son passage à Paris en 1889. Ce serait à l’origine de sa décision de peindre sa propre version.

Edouard Manet

Paris, 1832 – 1883

Portrait de Charles Baudelaire

1869, eau-forte, 4^e état

Edouard Manet a réalisé trois portraits de Baudelaire d’après une photographe de Nadar. Cette gravure a été publiée dans la biographie posthume du poète écrite par Charles Asselineau et parue en janvier 1869 sous le titre : Charles Baudelaire, sa vie, son œuvre ( …) avec portraits. Le poète comme le peintre étaient, tous deux, grands admirateurs du peintre romantique.

Musée Eugène Delacroix

Paris

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Edouard Manet 

Paris, 1832 – Paris, 1883

Portrait de Théodore Duret 

Petit Palais 

Paris

Théodore Duret (1838 - 1929) fut à la fois négociant en cognac, critique d'art et collectionneur. Il visita le Japon en 1871 et constitua une collection d'estampes. Il rencontra Manet en Espagne et défendit l'Impressionnisme. 

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Edouard Manet.

Canotage.

1874.

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Berthe Morisot 

1841 - 1895

Julie Manet et sa levrette Laërte.

1893-

Huile sur toile.

Musée Marmottan 

Paris

Mobilier Louis XV et Louis XVI. Le siège vide symbolise le décès de son père.

Les ami-e-s de sa mère l'emmèneront dans les musées.

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Adrien Didier

1838 - 1924

Charles Gounod (compositeur) vers 1879

Burin sur papier

 Charles Gounod à Saint-Rémy-de-Provence

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P 116 :

Charles Gounod.

Yvette chantera devant les « sœurs Gounod ». Il demande qu’elle vienne chanter chez lui. Elle chantera La coupe du roi de Thulé. Charmé, le maître lui interdira de prendre des cours de chant de peur « qu’on lui fabrique une voix ». Elle ne pourrait plus en sortir ensuite…

Mirella Freni--Soprano

Georges Prêtre--Conductor

Orchestre de l'Opéra de Paris

Yvette Guilbert

La chanson de ma vie

Mes mémoires

Editions Les Cahiers Rouges

Grasset – 1927

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Charles Gounod

Musicien

Opéra Garnier

Paris

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Berthe Morisot

Bourges, 1841 – Paris, 1895

Jeune fille en décolleté, la fleur aux cheveux.

1893

Huile sur toile

Berthe Morisot fut la seule peintre qui participa à la première exposition impressionniste, en 1874. la même année, elle épousa Eugène Manet, le frère d’Edouard Manet qui avait fait d’elle de nombreux portraits.

Monet et le poète Mallarmé furent pour elle et sa famille des amis très proches. Renoir fut également un fidèle compagnon. Ils peignirent parfois ensemble en échangeant motifs et idées. Les harmonies roses et vertes de ce tableau rappellent celles des baigneuses de Renoir. Œuvre des dernières années du peintre, elle peut se lire comme un hymne nostalgique à la jeunesse.

Petit Palais

Paris

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Pastel en trois morceaux réunis marouflés sur toile

Mika Biermann

• Anacharsis Fictions 7 Janvier 2021

Voilà l'été. Berthe Morisot, peintre impressionniste, et Eugène Manet, son mari affable, quittent Paris pour une partie de campagne. Ils posent valises et chevalet dans une maison champêtre, havre d'une douceur estivale propice à toutes sortes d'expérimentations nocturnes.

Dans ce roman formant un diptyque avec Trois jours dans la vie de Paul Cézanne, Mika Biermann confond allègrement mots et couleurs, phrases et perspectives, écriture et peinture.
De ces pages, comme d'autant de toiles, surgissent des méditations corrosives sur la chair comme matière à peindre.

Elle est la seule peintre impressionniste femme dont on se souvient.

Elle avait du charme et était exigeante.

Mallarmé la respectait.

Il disait d'elle qu'elle était "cordiale et railleuse".

Charles-Albert Cingrin.

Charles-Albert Cingria est un écrivain, poète et musicien suisse.

1883 – 1954

La famille de son père était originaire de Raguse (aujourd'hui Dubrovnik).

Il a beaucoup voyagé, en vélo, dans toute l'Europe et en Afrique. Il n'a vécu que par et pour l'écriture, proscrivait le lieu commun et le « remplissage ». Il est un des auteurs les plus inclassables et les plus novateurs de Suisse romande. 

Il est un grand écrivain français qui est mort à l'âge de soixante-douze ans sans que personne s'en aperçoive.

Pierre Michon.

Pierre Michon, né le 28 mars 1945 à Châtelus-le-Marcheix – au hameau des Cards – dans la Creuse, où ses parents étaient instituteurs, est un écrivain français.

Lycéen à Guéret, il étudie ensuite les lettres à l'université.

Auteur maintes fois récompensé, Pierre Michon est de ces écrivains qui se font rares dans les médias. 

 L'auteur des « Vies minuscules » livre ses secrets de création littéraire.

Dans « Les huit petites vies », le narrateur raconte huit destins qui l'ont façonné.

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Berthe Morisot

Jeune fille sur l'herbe

1885

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Edouard Manet et les femmes :

Il écrit à propos des sœurs Morisot, Berthe et Edma :

« Les demoiselles Morisot sont charmantes, c’est fâcheux qu’elles ne soient pas des hommes » (p 146).

Une farouche liberté.

Gisèle Halimi avec Annick Cojean.

Editions Grasset – et Fasquelle – 2020

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Berthe Morisot 

Sous l'oranger 

1889 

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Edouard Manet (1832 - 1883) naquit ici. 

5, rue Bonaparte.

Paris 

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Philippe Garel 

Edouard Manet.

Saint-Pierre-de-Varengeville 

Centre d'art contemporain Daniel Havis

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Edouard Manet

1832 - 1883

Chardons

1880

Huile sur toile

Paris Beaux-Arts

Maison Chaumet

"Végétal, l'école de La Beauté"

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Berthe Morisot 

Bourges, 1841 - Paris, 1895

Vue de Paris des hauteurs du Trocadéro. 

1871 - 1873

Huile sur toile.

Paris 

Musée d'Orsay

Femme d'origine aisée, Berthe Morisot ne peut peindre en plein centre Paris.

Elle habite à Passy et choisit une vue panoramique de Paris depuis le Trocadéro

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*

(…) Nous présentons Berthe Morisot artiste peintre française, cofondatrice et doyenne du mouvement d'avant-garde que fut l'impressionnisme.

Berthe Morisot

Portraits

Ce portrait étrange et envoûtant a rapidement été considéré par ses proches comme un des chefs-d'oeuvre du peintre. Paul Valéry . (Musée d’Orsay).

Qui a peint Berthe Morisot ?

Édouard Manet

Berthe Morisot par Édouard Manet (1872).

(Wikipédia).

Berthe Morisot (1841–1895), très proche d'Édouard Manet dont elle fut le modèle et l'amie, se distingue par sa prédilection pour l'art du portrait,. (Beaux-Arts).

En tout, il réalisera quatorze portraits d'elle.  (Connaissance des Arts).

Le panneau du musée Marmottan Monet est le fragment d'un tableau de Berthe Morisot étendue sur un canapé. (Edouard Manet). (Musée Marmottan).

1874, date à laquelle ce portrait est réalisé, est une année particulière. C'est celle du mariage de Berthe Morisot avec Eugène Manet, frère de l'artiste. (Beaux-Arts de Lille).

Portraits de Berthe Morisot dans les collections. (Musée d’Orsay).

2019 :

C'est la première fois qu'Orsay célèbre cette femme peintre qui a fondé l'impressionnisme. (Radio France).

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Ici, le peintre campe un paysan genevois, fier de son état, en exaltant sa silhouette massive et tranquille sur le fond obscur d’une porte de grange. Une gamme étroite de gris, des traces infimes de jaune ici et là, une composition à la fois simple et rigoureuse indiquent à la fois l’heure du jour, la force d’un corps prêt à reprendre l’effort et l’humilité d’une existence consacrée à cultiver le sol afin qu’il donne des fruits

Du vert

1965

Le baigneur

1940

Jean Dubuffet (1901 – 1985)

Téléphoniste

1964

Vinyle et crayon papier

Jean Dubuffet (1901 – 1985)

Récit du sol

Huile sur toile

Jean Dubuffet

1901 – 1985

« Mon enfance se déroula au Havre dans une maison à deux étages aux pièces peu spacieuses. Il y avait au rez-de-chaussée un petit salon bien lambrissé et capitonné pourvu de quelques chaises en cercles et de nombreux bibelots-statuettes, petits vases. Il n'avait d'usage qu'un après-midi par semaine, à jour fixe, pour que ma mère puisse y recevoir des visites. (…)

Mon père (…) avait une passion des livres et il ne cessait d'en acheter, il y en avait des piles dans tous les coins. Il était abonné à de nombreuses revues littéraires ou satiriques (il affectionnait la satire et la polémique). Il était chauvin, les auteurs étrangers ne l’intéressaient guère, il révérait spécialement Montaigne, Bayle, La Bruyère, Rivarol, Léon Bloy. »

Biographie au pas de course 

Gallimard – 2001

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Jean Dubuffet

1901, Le Havre – 1985, Paris

Portrait de Michel Tapié

Août 1946

Fusain sur papier

Musée Cantini

Marseille

Accompagné de Jean Paulhan*, Jean Dubuffet se rend régulièrement à partir du mois d’août 1946 chez Florence Gould, qui réuni de nombreux artistes, écrivains et personnalités politiques autour de sa table tous les jeudis. Sur l’invitation de la maîtresse de maison, il dessine le portrait de Paul Léautaud puis, se prenant au jeu, croque l’un après l’autre les invités prestigieux qu’il côtoie, parmi lesquels Marcel Jouhandeau, Antonin Artaud, Georges Limbour, René Bertelé, Jean Fautrier, Henri Michaux, André Dhôtel, Francis Ponge et Gaston Chaissac.

De Michel Tapié, Max Loreau (qui a établi le catalogue raisonné de l’œuvre de Jean Dubuffet) a répertorié dix-sept portraits effectués au crayon ou à la gouache sur papier, un à l’huile sur papier ainsi que trois autres sur staff ou isorel.

Michel Tapié, critique et théoricien de l’art, exerça une influence importante sur le milieu artistique des années 1950 – 1960, s’intéressant plus particulièrement à une tendance de l’abstraction qu’il nomma « art informel ».

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Jean Dubuffet

Portrait de Jean Paulhan

Encre de Chine

Vers octobre 1947

Mucem

Marseille

Ecrivain et éditeur de la Nouvelle Revue française, Jean Paulhan est l’un des défenseurs du travail de Jean Dubuffet. Paulhan accompagne Dubuffet lors du voyage en Suisse de juillet 1945, moment de l’invention de l’expression « Art Brut ». Il publie les premiers textes du peintre en 1946 puis fonde avec lui la Compagnie de l’Art Brut en 1948.

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Jean Dubuffet

1901, Le Havre – 1985, Paris

Vénus du trottoir

Mai-juin 1946

Huile sur plaque de staff

Musée Cantini

Marseille

A partir des années 1940, Jean Dubuffet entreprend des recherches sur les productions artistiques extraculturelles, qui le mèneront à la création du Foyer de l’art brut.

Le titre Vénus du trottoir est celui que Georges Limbour avait l’habitude de lui attribuer. Jean Dubuffet l’ayant quant à lui intitulée Kamenaia-bab. Cette effigie, qui évoque une archaïque déesse de la fécondité, n’est pas très éloignée de certaines figures du paléolithique supérieur. A l’instar des peintures qui ornent certaines grottes préhistoriques, elle semble avoir été tracée sur une paroi de matériau brut, à cette différence près que la paroi semble ici correspondre à l’environnement urbain ressemblant à du macadam.

La Vénus du trottoir annonce la série des Corps de Dame que Dubuffet réalisera en 1950, à laquelle fera écho la série Women de Willem de Kooning.

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Jean Dubuffet

Vénus du trottoir (Kamenaia-Baba)

Peinture à l’huile sur plaque de staff

Mai- Juin 1946

Mucem

Marseille

Cette effigie grossière atteste le goût de Dubuffet pour ces « femmes de pierre » dont on sait quasiment rien, en référence au type statuaire des Kamenaia Baba. Elles jalonnaient les steppes eurasiatiques. Le peintre aime leur aspect informe et rude, tout comme le fait qu’elles posent problème aux catégories de l’histoire.

10 19

Jean Dubuffet

1901, Le Havre – 1985, Paris

Brouette en surplomb I

1964

Huile et acrylique sur toile

En juillet 1962, alors qu’il répond au téléphone, Jean Dubuffet trace au stylo-bille rouge des petits dessins sur du papier. Les ayant complétés de rayures rouges et bleues puis découpés et posés sur un fond noir, il s’aperçoit de l’étonnante intensité des tracés et du pouvoir de stimulation et d’imagination. Dans ses tableaux peuvent être reconnus des outils, des pianos, des bateaux, des armes, des arbres, des lits, des machines à écrire, et quelques personnages.

Musée Cantini

Marseille

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Jean Dubuffet

Petit sergent major

Février 1944

Huile sur toile

Mucem

Marseille

Représenté à mi-corps, nu et dans des couleurs vives, il est dépouillé de tout uniforme. En pleine guerre, Dubuffet récuse l’héroïsme militaire pour célébrer l’homme du commun.

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Jean Dubuffet

Affiches d’expositions personnelles de Jean Dubuffet

Entre 1944 et 1985

Gouache sur papier

Mucem

Marseille

Dubuffet aime l’imprimé banal, tract ou prospectus. Il utilise la presse lithographique dès 1944 pour réaliser les affiches de ses expositions. Le genre de l’affiche répond d’emblée à son fantasme de s’adresser au commun.

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Jean Dubuffet

Affluence

23 – 23 mars 1961

Huile sur toile

Mucem

Marseille

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Jean Dubuffet

Antonin Artaud

Encre sur papier

1947

Mucem

Marseille

Antonin Artaud est écrivain et acteur. Il a écrit sur le théâtre de la cruauté, il a critiqué farouchement la culture occidentale, il a marqué profondément Jean Dubuffet.

Les deux hommes ne se rencontrent qu’en 1945 alors qu’Artaud sort d’une longue période d’internement.

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Jean Dubuffet

Collet monté

Décembre 1959

Mucem

Marseille

Vence, Alpes Maritimes

Eléments botaniques collés sur bois

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Jean Dubuffet

Danseur au Nur n°1

Mars 1945

Gouache sur papier

Mucem

Marseille

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Jean Dubuffet

Femme galante mains aux épaules

Août 1944

Gouache et encre de Chine sur papier

Mucem

Marseille

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Jean Dubuffet

La grande place d’Etaples

1^er août 2964

Gouache sur papier

Mucem

Marseille

Le Touquet – Pas-de-Calais

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Jean Dubuffet

Le déchiffreur

Collage de 28 pièces d’acryle sur papier marouflé sur toile

Mucem

Marseille

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Lili Carlu-Dubuffet

Elle rencontre Jean Dubuffet à Montparnasse, quartier fréquenté par l'avant-garde des années 1930.

Ils partagent le même goût pour la peinture et l'art populaire.

Elle est son modèle et sa complice.

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Jean Dubuffet

Lili aux objets en désordre

Octobre 1936

Huile sur toile

Mucem

Marseille

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Jean Dubuffet

Lili

1936

Marionnette à gaine

Mucem

Marseille

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Jean Dubuffet

Lili

1936

Carton-pâte peint

Mucem

Marseille

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Jean Dubuffet

Ontogénèse

Peintures vinyliques sur panneau stratifié

1974 - 1975

Mucem

Marseille

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Jean Dubuffet

Paysage vineux

Huile sur toile

Août 1944

Mucem

Marseille

Dubuffet revisite le genre pictural classique : perspective et travail sur la matière. La mise à mal annonce ses recherches postérieures et son rejet des valeurs traditionnelles.

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Jean Dubuffet

Portrait de Georges Limbour

Encre de Chine sur papier

Vers décembre 1946

Mucem

Marseille

L’écrivain Georges Limbour est pour Dubuffet son « vieux et fraternel et hautement estimé camarade ». Ils partent ensemble vivre la bohème à Paris en1918. Limbour permet à Dubuffet de garder le contact avec l’avant-garde artistique des années 1930. Il lui présente Jean Paulhan en 1943, rencontre décisive pour le devenir du peintre.

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Man Ray

Kiki devant le palais de quatre heures

1932

Titrage moderne

Mucem

Marseille

Lili Carlu, à droite, fréquentait les cercles d’avant-garde. Elle est photographiée en compagnie de la célèbre danseuse Kiki de Montparnasse devant une sculpture d’Alberto Giacometti. C’est à cette époque qu’elle rencontra Dubuffet.

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Jean Dubuffet

La vie sans l’homme 1

Papier mâché et pâte plastique

Décembre 1959

Vence, Alpes Maritimes

Mucem

Marseille

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Jean Dubuffet

Le jardin mulâtre

Ailes de papillon* et peinture

Juillet 1955

Vence, Alpes Maritimes

Mucem

Marseille

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Kero Netaz

Le Havre

Papillon.

Graph  

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Le papillon marron.

L’habitat des papillons marrons varie complètement selon leur espèce. Cela dit, la plupart d’entre eux vivent plutôt dans les lieux semi-ombragés : sous-bois, friches, lisières, jardins, parcs urbains, bords de rivière, champs, etc.

Le papillon brun est également associé spirituellement à l'âme humaine.

La chenille passe une partie de son cycle à l'intérieur de la plante dont elle se nourrit. Pendant cette phase elle est protégée des traitements insecticides de contact.

Je l’ai dérangé et il est parti se cacher sous les feuilles.

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Papillons.

Jardin de Valérianes

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Jean Dubuffet

Le Metafizyx

Huile sur toile

Août 1950

Mucem

Marseille

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Un papillon est attrapé par une araignée :

Regardez bien car ça va vite. L’araignée sort de sa cachette pour inoculer son venin immobilisant. Elle apparaît à droite du papillon. Il ne peut plus s’envoler. Dès qu’elle a tétanisé le papillon, l’araignée va l’emporter dans sa toile pour en faire son festin.

Je n’ai pas eu le temps de  filmer la fin. C’était déjà fait ! Je ne m’y attendais pas et j’ai été surprise par la rapidité. Je pensais que le papillon parviendrait à s’échapper.

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Les papillons à Saint-Pierre-de-Varengeville :

Les Lépidoptères sont un ordre d'insectes holométaboles dont la forme adulte est communément appelée papillon, dont la larve est appelée chenille, et la nymphe chrysalide. Il s'agit d'un des ordres d'insectes les plus répandus et les plus largement connus dans le monde, comprenant entre 155 100 et 174 233 espèces décrites réparties dans 136 familles et 43 super-familles.

Le processus d'alimentation du papillon est un processus de pompage du nectar des fleurs à l'estomac. La longueur de la trompe varie. A sa base et de chaque côté sont placées ce qu'on appelle le palpes maxillaires qui sont très petites. La lèvre inférieure, ou labium, qui est aussi presque obsolète chez les papillons.

Le papillon est un insecte dont le corps est divisé en trois parties : la tête, le thorax et l'abdomen. Leurs yeux sont composés de milliers de petites cellules.

Saint-Pierre-de-Varengeville est une commune française située dans le département de la Seine-Maritime en région Normandie.

Centre d’art contemporain de la Matmut :

Composés de jardins thématiques, le parc de 6 hectares est jalonné de 17 œuvres monumentales. En chiffres 4 expositions par an 6 hectares de parc 17 œuvres monumentales Découvrir le parc, le château et la collection Lilian Bourgeat.

Composé d'un parc de plusieurs hectares, de jardins variés et d'œuvres monumentales, mais aussi d'un château normand du XIXe siècle qui abrite des expositions, le Centre d'art contemporain de la Matmut - Daniel Havis est un lieu atypique de la campagne rouennaise.

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Jean Dubuffet

Ontogénèse

1974

Muma

Le Havre

Je me suis demandée quelle était la genèse de ce tableau.

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Voir aussi:

Sonia Delaunay.

1885 – 1979

Elle fait partie des premières artistes d’avant-garde à s’engager dans une synthèse des arts.

Elle développe un univers elliptique et coloré après la Grande Guerre. Elle utilise les arts décoratifs, les arts appliqués et l’abstraction picturale.

Durant « les années simultanées », les couleurs pures s’apposent en contrastes bigarrés. Elle orne les tissus et les accessoires de mode pour faire entrer l’art dans le quotidien.

Source « La Provence »

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Sonia Delaunay (1885-1979)

D'origine ukrainienne, elle se fixe à Paris en 1906. Elle épouse Robert Delaunay** en 1910. Deux sujets de prédilection : la couleur pure et l'abstraction géométrique.

Sonia Delaunay (1885 – 1979)

Composition. Rythme coloré

1950

Gouache, traces de crayon

Page 139 :

Nicolas de Staël rencontre en novembre 1942 Sonia Delaunay. Robert Delaunay avait été « l'ami du douanier Rousseau., de Tristan Tzara et d'Apollinaire**.  Staël découvre sa recherche de « peinture pure » et, plus encore, son goût de la couleur.

Sonia Delaunay note dans son journal : « Magnelli* est venu tard mais accompagné de Stahl (sic), un peintre inobjectif de Nice. »

Laurent Greilsamer

Le prince foudroyé

La vie de Nicolas de Staël

Éditions Le livre de Poche

Fayard - 1998

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Robert Delaunay (1885-1941)

Après une période néo-impressionniste, il connaît une période néo-cubiste puis pratique « l'art inobjectif ».

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Sonia Delaunay

1973

Poèmes Illuminations d’Arthur Rimbaud

Arthur Rimbaud à Charleville-Mézières

Madame Paul Valéry

Paule Gobillard

1927

A Bagnols-sur-Cèze.

*

Alberto Magnelli

1888, Florence (Italie) – 1971, Meudon (France)

Pierres n°2

1932

Huile sur toile

Autodidacte, il éduque son regard au contact des œuvres de Giotto*, Uccello, Masaccio et Piero della Francesca. Il subit l’influence du groupe des Macchiaioli avant de se rapprocher du Futurisme dans les années 1910-1920 à Florence. Dans la série des Pierres qu’il commence en 1931, il utilise une palette réduite, dominée de terres et d’ocres. Sa composition apparentée à celle du portrait confère une présence énigmatique aux blocs découpés et dressés.

Musée Cantini

Marseille

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**

P 159 – Marie Laurencin et le Douanier Rousseau :

Les poètes de Littérature (Paul Eluard, Louis Aragon, André Breton, Philippe Soupault, NDLR), et Gala avec eux, aiment Marie Laurencin, l’amie d’Apollinaire, pour sa palette tendre et pour « La femme à la Colombe » (1919).

Dominique Bona

Gala

La muse redoutable

Flammarion, 1995

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*

Jacques Callot

"L'arbre de Saint-François"

1ère moitié du 17e s 

Eau forte.

Deauville

Les Franciscaines

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**

Robert Delaunay

1885 - 1941

Femme au marché Portugal

1915

Huile sur toile

Fontevraud

Abbaye royale

En 1915, Sonia et Robert Delaunay, surpris par la guerre, séjournent en Espagne, puis au Portugal.

A Lisbonne, ils fréquentent le café mythique "A Brasileira". Ils découvrent la vie rurale dans le village de "Vila do Conte".

Robert Delaunay revient à une certaine figuration, après ses études sur le cubisme et l'abstraction.

Couleurs dynamiques du costume de la paysanne.

Statisme des silhouettes cubiques des jarres.

Réalisme des têtes de canard au premier plan.

La technique de la détrempe donne davantage d'intensité à la peinture.

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Robert Delaunay 

Relief, Rythme 

1932 

Lisbonne 

Musée art moderne

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Robert Delaunay 

Paris, 1885 - Montpellier, 1941

La fête au pays 

1905 

Huile sur toile.

Rennes 

Musée Beaux-Arts

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Robert Delaunay 

1885 - 1941

Hommage à Blériot 

1914 

Huile sur toile.

Petit Palais 

Paris 

Blériot a été un grand constructeur de monoplans, biplans et d'avions militaires.

Delaunay organise le tableau autour du motif de l'hélice.

Il traduit l'effervescence des meetings aériens.

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Lisbonne signifie "Bonne eau".

Mon aquarelle du centre ancien.

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Lisbonne

Le Fado est chanté dans la rue, au pied du château.

Mon aquarelle du centre ancien.

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José Malhoa 

O Fado 

Lisbonne 

Musée du Fado 

Peinture reprise dans d'autres compositions.

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Lisbonne

Le linge est étendu aux fenêtres.

Mon aquarelle du centre ancien.

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Lisbonne vue de la rive gauche du Tage à Cacilhas.

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Maria Louceiro.

Photographe.

Portugal.

« Mes images visent à répondre à la fragilité humaine, comme l'homme qui va à l'encontre de la nature qui ne peut se défendre lui-même, aussi attentif à son propre genre, trop fragile et sans défense.»

Sur l’envie de créer :

« a) le savoir dès le plus jeune âge et lutter contre les apports sensés de la société sur ce qu’il faut faire de vous-même – ou de vous

b) en quelque sorte savoir dès le plus jeune âge, mais vous optez pour un cheminement de carrière responsable jusqu’à ce que l’envie vous frappe comme une tonne de briques. ».

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Portugal

Musée d'art moderne de Lisbonne.

MAAT. (inauguré en 2016)

Rui Chafes – « Loosing the soul” (= perdre l’esprit).

Rui Chafes a remporté le prix Pessoa 2015, le prix artistique le plus important du Portugal.

« Je suis un simple artisan de ces voix supérieures qui me disent de faire des formes que je ne comprends pas ».

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Georges Rouault

France, 1871 – 1958

Fille ou Nu assis

Aquarelle et pastel sur papier

Musée d’Assezat

Fondation Bemberg

Toulouse

Georges Rouault

France, 1871 – 1958

La famille nombreuse

Musée d’Assezat

Fondation Bemberg

Toulouse

Georges Rouault

France, 1871 – 1958

Nu aux bras levés

Huile sur toile

Musée d’Assezat

Fondation Bemberg

Toulouse               

Georges Rouault

1871 – 1958

Scène biblique

1939 - 1946

Huile sur toile.

Fontevraud

Abbaye royale

Il fut l'élève de Gustave Moreau.

Georges Rouault est un chantre des Evangiles. La lumière est quasi-mystique. La lune éclaire l'arbre, le chemin et les collines, à la manière de Gustave Moreau.

Un halo surnaturel éclaire les visages des deux personnages.

Rassaï Martin décrivait la foi de Rouault ainsi: "simple et profonde, à l'image des bâtisseurs de cathédrales".

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Georges Rouault

Paris, 1871 - 1958

Homo homini lupus

Le Pendu 

1940 - 45 

Huile sur papier marouflé sur toile.

Rennes 

Musée Beaux-Arts

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Musée Picasso à Barcelone

Musée Picasso à Barcelone

Tag de Barcelone

  A Barcelone, Pablo Picasso personnifié

Picasso et la cuisine, un lien dévoilé à Barcelone.

(…) Et c'est ainsi qu'un poulet rôti ou des poissons se transforment en protagonistes défigurés de natures mortes cubistes. Et que deux poireaux près d'un crâne témoignent des pénuries dans le Paris de la Seconde Guerre mondiale.

Musée Picasso à Antibes

Antibes

Antibes

Man Ray (Emmanuel Radnitzky)

Philadelphie 1890 - Paris 1976

Portrait de Picasso

Photographie noir et blanc sur papier

1933

Musée d'art et d'histoire de Saint-Denis

Pablo Picasso

Colombe volant

Pablo Picasso (Malaga 1881 - Mougins 1973)

Vive la Paix!

Lithographie

1954

De la Libération à la crise des Missiles de Cuba en passant par la guerre d'Espagne ou d'Algérie, Picasso-le-pacifiste explore fréquemment dans son travail les thèmes liés à la guerre et à la paix. 

Eluard ne manque pas de célébrer l'engagement moral et artistique du peintre: "Tu te sens responsable de tes frères, de leur cause. L'avenir en dépend. Leur cause est juste - et tu es juste" (Hommages, 1947).

Vive la Paix! est paru en une du journal L'Humanité en juillet 1954.

Il salue l'accord signé entre la France et la République démocratique du Vietnam, mettant fin à la guerre d'Indochine.

Après la "fâcheuse affaire Staline", Picasso signifie sa confiance nouvelle au journal.

Picasso et Arles.

L’artiste, passionné par la corrida et obsédé par Vincent Van Gogh, a toujours été attiré par la ville d’Arles dans laquelle il a passé beaucoup de temps. Il tisse des liens avec le musée Réattu qui lui consacre dès 1957 une première exposition. C’est en 1971, deux ans avant sa mort, qu’il offre au musée Réattu un ensemble choisi de 57 dessins.

Picasso et le visage des mousquetaires au musée Réattu à Arles

1922

Premier échange épistolaire avec Man Ray : Picasso l’autorise à reproduire ses œuvres à loisir. Peint Deux femmes courant sur la plage , combinant classicisme, monumentalité et recherche du mouvement. Décors de Picasso pour l’adaptation d’Antigone par Jean Cocteau, jouée au Théâtre de l’Atelier (costumes de Coco Chanel).

Antigone de Sophocle

Régie de Jean Vilar

Costume Gustave Singier, 1960

Antigone: Catherine Sellers

Jacques Réattu, qui est-il?

Jacques Réattu et Auguste Firmin Chabrier.

Ces peintures ont été réalisées pour un temple de Raison à Marseille. Ce projet ne verra pas le jour suite aux multiples rebondissements de la Révolution française.

L'intérieur, l'extérieur, un arbre inspirant, la cour, un petit montage personnel, quelques salles, un escalier médiéval, des gargouilles, bref, des détails de cette superbe bâtisse qui accueille un musée d'art à Arles.

Guillaume Marius Dieudonné

Arles, 1827 – 1897

Portrait du graveur arlésien

Jean Joseph Balechou

1878 – 1881

Marbre

Musée Réattu

Arles

Guillaume Marius Dieudonné

Arles, 1827 – 1897

Portrait du graveur arlésien

Jean Joseph Balechou

1878 – 1881

Marbre

Musée Réattu

Arles

Guillaume Marius Dieudonné

Arles, 1827 – 1897

Portrait du graveur arlésien

Jean Joseph Balechou

1878 – 1881

Marbre

Musée Réattu

Arles

Pablo Picasso

Malaga, 1881 – Mougins, 1973

Le peintre et son modèle 14.1.71

Encre de Chine et lavis sur carton blanc

Musée Réattu

Arles

Pablo Picasso

Malaga, 1881 – Mougins, 1973

Toros en Vallauris, 1973

1954                      

Gravure à la gouge sur linoléum

Musée Réattu

Arles

La donation Picasso au musée Réattu.

57 dessins du musée Réattu sont marqués par une extraordinaire fièvre picturale.

Ils constituent une sorte de journal du peintre, « écrit »à main levée, à la craie, au feutre, à l’encre, datés et numérotés au jour le jour.

L’Arlequin, le Peintre et son modèle et le Mousquetaire composent les trois principaux thèmes de Pablo Picasso.

A Aix en Provence

Pablo Picasso (1881 – 1973)

Arlequin assis

1915

Gouache sur bois

Musée Angladon, Avignon

« L’art est un mensonge qui permet de dévoiler la vérité. »

L’art dégénéré

En novembre 1943, (…) dans les salles de vente, (…), il semble que même les figures emblématiques de l’art dit « dégénéré » _ de Picasso à Klee en passant par Ernst _ se soient muées en valeurs refuges.

Page 288

Magritte

Par Michel Draguet

Folio biographies

Edition Gallimard - 2014

Huile sur toile

Vauvenargues

Vauvenargues

Vauvenargues

Vauvenargues

Torero

1971

Crâne de chèvre

Pablo Picasso

La rue des Bois

1908

Peinture à l'huile

Durant son séjour à la rue des Bois, au nord de Paris, en 1908, Picasso donne un sens moderne au paysage. Il applique les principes sculpturaux des Demoiselles d'Avignon. Le style géométrique de la campagne de l'Oise est influencé par Henri rousseau, dit le Douanier Rousseau.

Pablo Picasso

La bouteille de Bass

1912 – 1914

Peinture à l'huile

A Paris, à Montmartre

C'est au Bateau-lavoir qu'il créa les "Demoiselles d'Avignon" en 1907

Sa présence est remarquée au café "Le Consulat" à Montmartre

Monet, Utrillo, Picasso, Toulouse Lautrec à Montmartre

Pablo Picasso

Violon et verres sur une table (violon et guitare)

Début 1913

Huile sur toile

Musée de l’État de l'Ermitage – Saint Saint-Pétersbourg

Pablo Picasso (1881 – 1973)

Le couple

1904

Aquarelle et encre sur papier

Musée Angladon, Avignon

Pablo Picasso (1881 – 1973)

Nature morte cubiste

1920

Gouache sur papier

Musée Angladon, Avignon

Pablo Picasso (1881 – 1973)

Rêverie

1904

Aquarelle et encre sur papier

Musée Angladon, Avignon

Portrait de Picasso pour Max Jacob

1904

Musée Angladon, Avignon

Pablo Picasso

Malaga, 1881 – Mougins, 1973

Séjours à Céret en 1911, 1912, 1913, 1953.

Sardane de la paix

20 septembre 1953

Encre noire sur papier vélin.

Musée d’art moderne

Céret

Pablo Picasso

Malaga, 1881 – Mougins, 1973

Séjours à Céret en 1911, 1912, 1913, 1953.

Plats tauromachiques

Série de 8 plats

01 07 1959

Terre de faïence rouge, engobe noir.

Musée d’art moderne

Céret

Picasso se rend à Vallauris en 1946 et découvre l’exposition de poterie artisanale qui s’y tient chaque année. Il visite l’atelier Madoura, tenu par les époux Ramié, et entrevoit les grandes possibilités de création offertes par la céramique. Plus de quatre mille pièces sont créées en vingt ans.

Le creux de chaque coupelle se confond avec l’arène et ses gradins, puis évoque la forme d’un œil et de ses paupières.

La passion de Picasso pour la tauromachie l’accompagna toute sa vie.

Pablo Picasso

Malaga, 1881 – Mougins, 1973

Séjours à Céret en 1911, 1912, 1913, 1953

Plat au faune

1947

Terre de faïence

Musée d’art moderne

Céret

Pablo Picasso

Malaga, 1881 – Mougins, 1973

Séjours à Céret en 1911, 1912, 1913, 1953

Plat au Picador

Terre de faïence

Musée d’art moderne

Céret              

Pablo Picasso

Malaga, 1881 – Mougins, 1973

Séjours à Céret en 1911, 1912, 1913, 1953

Corrida aux tâches

11 juin 1953

Terre de faïence blanche, décor aux engobes sous couverte partielle au pinceau

Musée d’art moderne

Céret

Pablo Picasso.

Il séjourne à Céret au cours de sa période cubiste, pendant les étés 1911 et 1912, au printemps 1913, puis brièvement au mois d’août de cette même année.

Il retrouvait en cette petite ville catalane un peu de son Espagne natale ;

En 1912, fuyant les foudres de son ancien amour, Fernande Olivier, Picasso arrive à Céret en compagnie de sa nouvelle compagne, Eva Gouel, pour s’y cacher et peint des compositions fougueuses et magnifiques.

En 1913, il en profite pour peindre L’Homme à la guitare ou encore L’Arlequin.

Le 3 mai, au décès de son père, il quitte brusquement Céret pour y revenir du 9 au 19 août.

En 1953 et 1954, il reviendra et offrira la série de coupelles sur la tauromachie et la Sardane de la Paix au musée d’Art Moderne de Céret.

Il esquisse le projet du Temple de la Paix sur le site frontalier de Fontfrède.

Portrait de Pablo Picasso

Peinture murale à Céret

Pablo Picasso

Ecole française, 1881 – 1973

Pierrot et Arlequin

Crayons et cires sur panneau

Musée d’Assezat

Fondation Bemberg

Toulouse

Jean-René Laval

Hommage à Pablo de l’Hôtel Salé

Plâtre, sel, métal

Arles

Chapelle Sainte-Anne

Pablo Ruiz Picasso

Visage aux mains

Céramique

1956

MUMA

Le Havre

Plat en pâte blanche et édité par Madoura à partir d'empreintes originales de l'artiste. Acheté en 157 par Reynold Arnould, c'est probablement la première céramique à entrer dans la collection publique française.

Pablo Ruiz Picasso

Visage géométrique aux traits

MUMA

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Pablo Picasso dans l'Humanité Dimanche

22 décembre 1957

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Pablo Picasso

Malaga, 1881 – Mougins, 1973

Le Fou

Bronze

1905

Troyes

Musée des Beaux Arts

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Pablo Picasso

24 heures.

Musée Picasso

Paris 

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David Douglas Duncan 

1957  

Pablo Picasso avec un chapeau espagnol dans son atelier La Californie à Cannes.

Malaga 

Musée Picasso

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Pablo Picasso 

Historique de ses idées politiques.

Il était opposé à la  dictature espagnole franquiste.

Il a été fiché comme  anarchiste dès 1901.

Patrick  Le Hyaric.

NDLR: côté femmes, son attitude est plutôt décriée par les féministes...

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Son travail sera reconnu en 1966 par Malraux. 

P Le Hyaric 

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"Novembre 1936" 

Poème de Picasso après les bombardements de Madrid. 

Patrick Le Hyaric.

Exposition en cours à Paris.

11 21

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Pablo Picasso

Malaga, 1881 – Mougins, 1973.

Enfant assis

1921

Sanguine, fusain, craie blanche sur papier.

Rennes

Musée Beaux-Arts

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Nadia Khodossievitch-Léger

Picasso

1960 - 1970

Gouache sur carton.

Deauville

Les Franciscaines

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Picasso

Autoportraits à 18, 25 et 90 ans.

NDLR: ce n'est pas bon de vieillir!

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Pablo Picasso avant sa première tasse de café.

NDLR: vu la déformation de ses visages, ce n'est pas difficile de le représenter de mauvaise humeur!

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Nolo Sanchesky

Pigcasso

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Nolo Sanchesky.

Collages, fotomontajes, imágenes manipuladas.

Collages, photomontages, images manipulées.

Nolo Sanchesky, artista visual, lleva realizando un trabajo en el que la técnica del collage digital es su forma de expresión. La manipulación de imágenes es el soporte de su discurso iconoclasta, irreverente y sarcástico, que no deja a ningún espectador indiferente.

Nolo Sanchesky, un artiste visuel, a fait un travail dans lequel la technique du collage numérique est sa forme d'expression. La manipulation des images est le support de son discours iconoclaste, irrévérencieux et sarcastique, qui ne laisse aucun spectateur indifférent.

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Pablo Picasso by, par Arnold Newman, 1954

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Lire aussi:

« Il y a des artistes qui transforment le soleil en un point jaune, mais il y en a d'autres qui, grâce à leur art et à leur intelligence transforment une tâche jaune en soleil. »

Lee Miller :

Elle débute, en 1929, comme assistante de Man Ray et fait ses classes auprès du maître. Rapidement, ses clichés rencontrent le succès. C'est lui qu'elle veut comme professeur, et personne d'autre. Il est le maître incontesté de la lumière.

France Arles Musée Réattu.

Portrait de Lee Miller en Arlésienne – 1937 –

Lee Miller aurait dû être mannequin chez Vogue et elle a été une des plus fantastiques photographes de ce siècle. Femme libre, cette égérie du surréalisme a vécu mille vies. Les hommes tombaient sous son charme, Man Ray, Picasso...

En une petite dizaine d'années, Marcel Duchamp, Francis Picabia et surtout Jean Cocteau, ses amis, l'ont présentée à tout ce que Paris compte d'artistes.

Lee Miller et Picasso :

Lee Miller ... a pris plus d'un millier de photographies de Picasso pendant les 36 années de leur amitié. Roland Penrose,

artiste peintre surréaliste, le mari de Miller, est l'un des biographes les plus importants de Picasso. Lee a constitué des documents extraordinaires sur le travail de Picasso, et, avec son oeil vif et son objectif, a capturé la constante évolution de Picasso dans son existence aux multiples facettes.

Picasso a peint cinq portraits de « Lee Miller L'Arlésienne » pendant l'été 1937.

Man Ray

Philadelphie, 1890 – Paris, 1976

Lee Miller photographie de mode

Vers 1930

Epreuves argentiques

Musée Réattu

Arles

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Man Ray

Tronc d'arbre

1957-1958

Epreuve gélatino-argentique.

Deauville

Les Franciscaines

Il accentue l'effet de paréidolie pour que le cerveau y aperçoive de l'humain. L'artiste fait le portrait de l'homme-tronc. C'est un être étrange au cou coupé, sans visage, doté de bras moignons, qui marche dans un paysage lunaire.

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Lee Miller.

Lee Miller, née Elizabeth Miller le 23 avril 1907 à Poughkeepsie dans l'État de New York aux États-Unis et morte le 21 juillet 1977 à Chiddingly (en) dans le Sussex de l'Est en Angleterre, est une photographe et modèle photo américaine. 

 Son père, Théodore Miller est photographe amateur et il conduit très vite sa fille à poser pour lui. Dès son plus jeune âge, Lee Miller est une jolie petite fille et les premiers clichés sont très beaux. En revanche, son père, au comportement envahissant et un poil louche, photographie sa fille nue lorsqu’elle est adolescente. 

Elle a été mannequin à New York dans les années 1920 avant d’aller à Paris, où elle est devenue photographe de mode et d’art. Dans les années 1920, elle a posé pour les plus grands photographes de New York, notamment Arnold Genthe et Edward Steichen.

 Lee Miller, jeune Américaine débarquée à Paris, fut le modèle et l’amante de Man Ray, avant elle-même de devenir photographe.

 En 1942, elle devient correspondante de guerre au sein de l'armée américaine, couvrant pour le magasine Vogue des événements tels que le Blitz de Londres. Pendant dix mois, elle suit la guerre en soldat, portant treillis et casque, jetant bas tous les signes ordinaires de la féminité. Lee Miller suit, pendant le débarquement de 1944, les troupes américaines en Normandie puis en Bretagne où elle couvre la prise de Saint Malo. Elle participe ensuite à la Libération de Paris. Dans l’appartement abandonné d’Adolf Hitler à Munich, Lee Miller, une ancienne top model américaine devenue reporter de guerre se fait tirer le portrait dans sa baignoire.

Que ce soit en tant que muse ou photographe, Lee Miller a largement contribué au monde la photo et de l’art du XXème siècle, jonglant entre surréalisme, photographie de mode, photojournalisme et reportage de guerre. Lee  Miller est avant tout célèbre pour ses portraits de Picasso, Fred Astaire ou Marlène Dietrich. 

Lee Miller dirige non seulement des séances photo de Vogue pour des campagnes d’information sur la sécurité des femmes au travail par exemple mais elle documente aussi leur combat quotidien contre la pauvreté, l’inflation, le rationnement, et leur nouveau rôle dans la société combinant vie de chef de famille et vie à l’usine.

« Ecoute-moi Anthony…Je n’ai jamais été une mère, mais, ai-je été une femme vraiment ? Je n’ai été qu’une surréaliste, un être fractionné par la vie, qui a vécu avec ce qu’elle m’a transmis d’elle. »

 Elle fut, depuis son plus jeune âge jusqu’à ses 70 ans d'une beauté pure, altière.

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Kate Winslet donnera vie à l’écran à la photographe Lee Miller. Ellen Kuras, nommée aux Oscars pour son documentaire The Betrayal, réalisera le biopic consacrée à la correspondante de l’armée américaine pendant la Seconde Guerre mondiale. Si le projet est sur la table depuis quelque temps déjà, cette fois, le financement est trouvé (Rocket Science) et les héritiers de Lee Miller ont accordé l’accès à toutes les archives de la photographe.

VÉNUS S'ÉPILAIT-ELLE LA CHATTE ?

Pablo Picasso

Cet épisode a mis du temps à arriver, mais c’était le temps nécessaire pour digérer et retranscrire tout ce qu’il y a à dire sur Picasso (enfin presque).

Figure du génie par excellence, Picasso est une icône quasi-intouchable, auréolée d’une mythologie qu’il a lui-même entretenue, que des centaines d’expositions et de records en salles de ventes continuent à alimenter. Au-delà de cette figure mythique, Picasso était un homme particulièrement violent et misogyne, qui a passé sa vie à écraser les personnes moins puissantes et moins privilégiées que lui. Le caractère destructeur de Picasso est loin d’être limité à sa vie privée, il a au contraire nourri une immense partie de son travail et c’est précisément pour ça qu’il est valorisé. Le cas de Picasso permet de réfléchir sur la façon dont les valeurs virilistes impactent tous les aspects de la culture occidentale, de l’esthétisation des violences sexistes et sexuelles à la fabrique des génies.

On a parlé de tout ça avec mon invitée Sophie Chauveau, autrice de Picasso, le Minotaure, mais aussi de division sexuée du travail et de charge mentale, de Dora Maar et des artistes que Picasso a brisé·es, d’appropriation culturelle, de subversion et de l’impunité qu’on accorde aux hommes puissants.

Pour le réconfort et la brillance, ces réflexions sont entrecroisées des mots lumineux de Virginia Woolf, Virginie Despentes, Alice Coffin, Vanessa Springora et Hannah Gadsby 

Tout mon soutien à Alice Coffin agressée par des Identitaires à Rouen Honte à celles et ceux qui déclenchent ces réactions violentes Être en désaccord n’autorise pas le lynchage.

Annie Lahmer.

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Des témoins racontent l'altercation houleuse qui s'est produit à Rouen avec des militants identitaires, mercredi 16 juin, lors de la venue d'Alice Coffin à la Friche Lucien.

(…) « Des personnes dans le public et de la sécurité sont rapidement intervenues. En réponse, il y a eu des bousculades. Mais ça n’a pas dégénéré, seulement des violences verbales », poursuit Chloé Argentin. 

(…) Des méthodes de groupes identitaires. 

Pour elle, pas de doute, l’agression est clairement lesbophobe. « Maintenant, nous allons chercher à les identifier avec les images que l’on a. Nous ne sommes pas du tout intimidés, ni découragés par ce genre d’actions », martèle cette militante. 

Voir aussi:

CITATIONS de Picasso

« Le bon goût - le pire ennemi de la créativité. »

« Tout le monde essaie de comprendre la peinture. Pourquoi n’essaient-ils pas comprendre le chant des oiseaux? »

Arlésienne

Homme et femme

1969

Huile sur toile

Jacqueline assise avec son chat

1964

La femme qui pleure

Huile sur toile

Huile sur toile

Pablo Picasso  (1881 – 1973)

Fête de l'Humanité

2000

Picasso et la presse

Page 187 :

En 1944, Paris est libérée. Au Salon d'automne, Picasso expose ses tableaux. Pendant cinq ans, rien ne s'était passé du fait de la censure allemande qui considérait son art comme « dégénéré". « Le collaborateur Robert Brasillach renvoyait sa période cubiste au rang de « farces pour Américains gobeurs ». Les musées français se sont non seulement refusés à acheter avant-guerre quelques-unes de ses toiles, mais continueront de refuser tout don de l'artiste jusqu'en 1947 ! Les Demoiselles d'Avignon remontent à 1907... »

Le prince foudroyé

La vie de Nicolas de Staël

Éditions Le livre de Poche

Fayard - 1998

Laurent Greilsamer

Pablo Picasso

Malaga, 1881 – Mougins, 1973

Homme et femme, 1971

Huile sur toile

Un même chapeau réunit deux figures : la femme, serrée contre le dos de l’homme, le soutient de ses mains passées sous ses épaules. Les visages superposés, peints simultanément sous plusieurs angles, et les formes schématiques des mains, gardent un lointain souvenir du cubisme que Picasso a inventé. Sa préoccupation jusqu’à sa mort a été l’amour.

Musée des Beaux-Arts

Nancy

Pablo Picasso

Malaga, 1881 – Mougins, 1973

Séjours à Céret en 1911, 1912, 1913, 1953.

Portrait de Corina Père Romeu

1902

Huile sur toile

Corina était la femme du propriétaire du cabaret Els Quatre Gats, très fréquenté par les artistes de Barcelone entre 1897 et 1903.

Picasso s’y lie d’amitié avec le sculpteur Manolo, qui l’invitera à le rejoindre à Céret quelques années plus tard.

Pablo Picasso

Malaga, 1881 – Mougins, 1973

Séjours à Céret en 1911, 1912, 1913, 1953.

Portrait de Jacqueline

1956

Terre de faïence blanche

Musée d’art moderne

Céret

Pablo Picasso

Malaga, 1881 – Mougins, 1973

Homme et femme

24.1.71 I

Crayon feutre sur crayon

La donation Picasso au musée Réattu.

57 dessins du musée Réattu sont marqués par une extraordinaire fièvre picturale ;

Ils constituent une sorte de journal du peintre, « écrit »à main levée, à la craie, au feutre, à l’encre, datés et numérotés au jour le jour.

L’Arlequin, le Peintre et son modèle et le Mousquetaire composent les trois principaux thèmes de Pablo Picasso.

Pablo Picasso 

"Faune dévoilant une femme"

Musée Angladon

Avignon

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C'est un des tableaux les plus célèbres de Grèce. Le "Portrait de femme" de Picasso avait été volé en 2012 : il vient d'être retrouvé dans les broussailles près d'Athènes.

France Inter.

(…) Ce Portrait de femme a été offert par l’artiste à la Grèce en 1949, en hommage à la résistance du peuple grec face à l’envahisseur nazi. 

(…) Les enquêteurs ont longtemps cru que seule une équipe de monte-en-l’air avait pu réaliser un tel cambriolage. En fait, ils ont finalement appréhendé un seul et unique voleur : un ouvrier du bâtiment de 49 ans.

Françoise Gilot et Carlton Lake

Vivre avec Picasso.

1964

Editions françaises Calmann-Lévy – 1965.

Françoise a été éduquée comme un garçon par son père. Elle a acquis l’audace et le stoïcisme (p 110). La communication avec Picasso est facile (p 31).

Pour Françoise et Picasso, tout commence bien. Elle le voit quand elle en a envie (p 89)

Pour Picasso, la femme est soit une déesse, soit un tapis-brosse (p 83). Il parle de leur fille Paloma, et il dit : « Ce sera une femme parfaite, passive et soumise » (p 259). Mais la maman de Picasso regrette qu’il soit surtout marié à la peinture (p 154). Françoise combat Picasso en repoussant ses limites (p 110). Après trois années de fiançailles, de 1944 à 1947, il cesse d’être un prince charmant avec Françoise (p 218). Quand il veut la convaincre de vivre avec lui, il la brûle au visage, (p 102) et menace de la jeter dans la Seine si elle refuse. Il lui impose une visite humiliante chez Dora Maar (p 108). Elle a tout quitté pour lui plaire et accepte de faire des concessions (p 128). Mais elle se retrouve coincée entre Dora Maar et Marie-Thérèse, la seconde femme de Picasso.

Marie-Thérèse Walter

Malaga

Musée Picasso 

Elle est ainsi sa quatrième femme (p 132). Elle pense que chacune des quatre femmes a supporté son sort car elles se savaient devenir immortelles en étant près de Picasso et peintes dans ses œuvres (p 241). Il aimait la souffrance des trois femmes (p 354). Il avait le « complexe de Barbe-Bleue » mais sans couper la tête des femmes qu’il quittait (p 243). Il sourit quand deux femmes se battent pour lui et il s’amuse quand Olga, sa première femme, marche sur la main de Françoise (p 217). Olga écrit à Picasso tous les jours (p 155). Elle les suit partout et persécute Françoise jusqu’à ce qu’elle y mette fin en se rebellant (p 215).

Pablo Picasso 

Olga assise 

1923 

Malaga 

Musée Picasso 

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Pablo Picasso 

Portrait d'Olga 

1923 

Malaga 

Musée Picasso

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Olga Khokhlova est ballerine dans les Ballets russes. Elle est fille de colonel.

Son mariage avec Picasso le fait accéder à un nouveau statut social.

Ils emménagent dans les beaux quartiers de Partis.

L'artiste s'embourgeoise dans un appartement confortable.

Il y présente ses oeuvres à l'intelligentzia internationale.

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Olga Khoklova et Pablo Picasso

Chambre rue de la Boétie

1920

Petit Palais

Paris

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Pablo Picasso 

1881 - 1973

Portrait d'Olga dans un fauteuil 

Montrouge - 1918 

Petit Palais 

Paris

Portrait d'Olga, à la manière d'Ingres, avant son mariage avec Picasso en juillet 1918.

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Picasso was married twice and had four children by three women:

• Paulo (4 February 1921 – 5 June 1975, Paul Joseph Picasso) – with Olga Khokhlova
• Maya (born 5 September 1935, Maria de la Concepcion Picasso) – with Marie-Thérèse Walter
• Claude (born 15 May 1947, Claude Pierre Pablo Picasso) – with Françoise Gilot
• Paloma (born 19 April 1949, Anne Paloma Picasso) – with Françoise Gilot.
•  

Picasso s’est marié deux fois et a eu quatre enfants de trois femmes:

• Paulo (4 février 1921 – 5 juin 1975, Paul Joseph Picasso) – avec Olga Khokhlova

Pablo Picasso 

Portrait de Paulo 

1922 

Malaga 

Musée Picasso

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Pablo Picasso 

Portrait de Paulo avec un chapeau blanc 

1923 

Malaga 

Musée Picasso

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• Maya (née le 5 septembre 1935, Maria de la Concepcion Picasso) – avec Marie-Thérèse Walter

•Claude (né le 15 mai 1947, Claude Pierre Pablo Picasso) – avec Françoise Gilot

•Paloma (née le 19 avril 1949, Anne Paloma Picasso) – avec Françoise Gilot.

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Françoise va remplacer en partie le secrétaire particulier de Picasso, à contre-cœur et devient enceinte de son premier enfant (p 151). 

Pablo Picasso 

Claude en marron et blanc 

1950 

Malaga 

Musée Picasso

Elle ne sera pas suivie pendant sa première grossesse car Picasso est superstitieux et pense qu’un médecin pourrait apporter le malheur (p 166). Picasso a un caractère anxieux et elle pense qu’il en joue pour se rassurer (p 258).Il peut changer d’humeur subitement (p 245). Elle revient sur ses sarcasmes et ses sautes d’humeur (p 267). Elle dessinera et peindra pendant toutes ces années (p 259). Comme il manque de chaleur avec elle, elle se sent frustrée mais elle a vécu  avec l’espoir d’un changement (p 333). Entre 1949 et 1951, leur histoire n’est plus une histoire d’amour et elle pleure de ne plus se sentir associée à Picasso (p 335). Quand sa grand-mère est mourante, elle comprend qu’elle ne peut pas compter sur lui en cas de malheur. Elle vit avec lui, mais elle se sent seule  (p 337). Elle réfléchit sur son sort, et admet qu’en étant isolé, chaque être humain est relié aux autres. Elle décide de poursuivre sa vie (a-t-elle songé au suicide à ce moment-là de sa vie ? NDLR) (p 338). Elle quittera Picasso deux années plus tard, en 1953 (p 339). Elle ne supportait plus son âge avancé. Il avait plus de soixante-dix ans (p 346). Après son remariage avec un homme de son âge, Picasso se vengera en faisant rompre le contrat qui liait Françoise à Kahnweiler.

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Cette confiance en sa peinture  est une expression évocatrice de l’autonomie de Gilot qui n’a cessé de croître après son départ de Picasso en 1953.

(…) From 1964 to 1968, Gilot resided in an artist studio in Chelsea, organised by the director of the Tate Gallery in London.

De 1964 à 1968, Gilot réside dans un atelier d’artistes à Chelsea, organisé par le directeur de la Tate Gallery de Londres.

(…) She would later describe her representation in London and New York as an enhanced impetus to forge a career distinct from Picasso.

Elle indiquera plus tard sa représentation à Londres et à New York comme un élan accru pour forger une carrière distincte de Picasso.

(…) ‘I knew Paris was no longer the centre but I hesitated between London and New York. My work was with two galleries in London, which were holding it because in France things had got rather difficult for me—leaving Picasso was seen as a big crime and I was no longer welcome. During the 1960s I had a studio in Sydney Close, Chelsea, given me on the recommendation of the director of the Tate, but I always had more collectors in the US than anywhere else, so it made sense to relocate here for work.’

FRANÇOISE GILOT

« Je savais que Paris n’était plus le centre mais j’hésitais entre Londres et New York. Mon travail se faisait avec deux galeries à Londres, qui le soutenaient parce qu’en France, les choses étaient devenues assez difficiles pour moi - quitter Picasso était considéré comme un grand crime et je n’étais plus la bienvenue. Au cours des années 1960, j’avais un studio à Sydney Close, a Chelsea, qui m’avait été  donné sur la recommandation du directeur de la Tate, mais j’ai toujours eu plus de collectionneurs aux États-Unis que partout ailleurs, il était donc logique de déménager ici pour travailler. »

FRANÇOISE GILOT

NDLR : proto féministe ? Ce n’est pas une femme préhistorique, tout de même ! Elle est la seule à avoir quitté Picasso.

Françoise Gilot est morte aujourd'hui, à 101 ans. Le livre de l'artiste de 1964 sur sa relation avec Pablo Picasso est maintenant un classique proto-féministe : le conte d'une jeune femme qui s'est retrouvée dans le trip d'un maître éblouissant et qui a fini par se libérer. Mais c'est aussi une histoire d'amour.

The New Yorker.

06 23

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Françoise Gilot n'a pas été détruite par Picasso 

car elle ne s'est pas identifiée à lui.

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Françoise Gilot n'a pas été en dépression, ni ne s'est suicidée, contrairement aux autres compagnes de Picasso.

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Françoise Gilot

Picasso avec les femmes

Acte 1

La déesse 

NDLR: les autres hommes sont souvent comme lui.

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Françoise Gilot

Picasso avec les femmes

Acte 3

La monstre, la sorcière, la castratrice.

NDLR: les autres hommes sont souvent comme lui. Ils n'aiment pas les femmes.

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(…) Une histoire qui sera pour elle un fardeau.

Leurs dix ans d’histoire seront un temps source de grande inspiration pour elle. Mais Gilot est bientôt étouffée par cet amant infidèle et hystérique qui enchaîne les crises et aspire ses idées. Sa personnalité viscéralement indépendante et son esprit indomptable déjoueront ses tentatives de manipulation et lui intimeront de continuer sa route sans lui. Jaloux de sa liberté, l’homme fou de rage détruira ses tableaux. Obsédé par elle, il tentera de saboter ses contrats. Une fois sa liberté reconquise, elle part aux Etats Unis, et peut enfin créer, sans entraves. Parfois fatiguée de la vie mais jamais de peindre, son style s'affranchit des lignes cubistes pour leur préférer les courbes. Son œuvre colorée et vivante, ne cessera de surprendre et figurera dans les collections de grands musées.

Picasso a rencontré le couple d’artistes Jacqueline et René Dürrbach en 1951.

L’atelier de Cavalaire réalisera au total 27 tapisseries d’après Picasso.

Pablo Picasso

Malaga, 1881 – Mougins, 1973.

Nu à mi-corps

1923

Huile sur toile

Rennes

Musée Beaux-Arts

Pablo Picasso

Malaga, 1881 – Mougins, 1973.

Baigneuse

1928

Huile sur toile

Rennes

Musée Beaux-Arts

Elle a des fesses, mais pas de seins.

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Jean-Auguste Dominique Ingres (Montauban 1780 – Paris 1867)

Etude d’homme de profil, en vue de la composition de Jupiter et Thésis

Huile sur toile

Jean-Auguste Dominique Ingres (Montauban 1780 – Paris 1867)

Jupiter et Thésis 1811

Huile sur toile

Jean-Auguste Dominique Ingres (Montauban 1780 – Paris 1867)

Etude d’homme de profil, en vue de la composition de Jupiter et Thésis

Huile sur toile

Avignon

Musée lapidaire

Statue de Jupiter en équipement militaire.

Il tient la roue de la main droite.

A sa gauche, un aigle et un serpent.

Œuvre gallo-romaine d’époque impériale.

Provenance : Séguret (Vaucluse).

Jean-Auguste Dominique Ingres (Montauban 1780 – Paris 1867)

Etude d’homme assis de profil

Huile sur bois

A Blois:

Jean-Auguste Dominique Ingres (Montauban 1780 – Paris 1867)

La Madone aux candélabres

1817

Ce tableau donné par Ingres au musicien Cherubini, fut copié d'après La Madone aux candélabres alors conservé à la villa Borghèse à Rome dans la collection de Lucien Bonaparte et aujourd'hui au musée de Baltimore. Le modèle, alors attribué à Raphaël, est aujourd’hui considéré comme une œuvre de Jules Romain.

Ce tableau est à l'origine d'une série de variations qui aboutissent chez Ingres à la figure de la Vierge dans le Vœu de Louis XIII (cathédrale de Montauban).

Art pictural

Galerie Duchamp

Yvetôt

Ingrid Berger

Explications de Pascale Rompteau qui gère la Galerie Duchamp

La figure de la mère est positive pour Ingrid Berger. Elle a eu plus de mal à trouver dans la figure paternelle une équivalence à la Madone dans l’histoire de l‘art. Elle a fabriqué CE Madone qui est ici une figure paternelle protectrice et positive. Elle a retourné le tableau pour voir s’il y avait un équilibre entre les formes et les couleurs. Elle a trouvé que la peinture devenait surréaliste.

Il y a une volonté de redonner de la lumière et de la couleur. Ca fait aussi penser au mouvement LGBT. L’arc-en-ciel est mêlé à l’aura religieuse qui ne l’est plus pour Ingrid Berger. Elle joue avec les codes.

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Justin-Chrysostome Sanson

1833 - 1910

Projet de monument au peintre Jean-Auguste-Dominique Ingres

1780 - 1867

1868

Plâtre

Rouen

Jean-Auguste-Dominique Ingres

Montauban, 1780 – Paris, 1867

Portrait de madame Aymon, 1806

Huile sur toile

La féminité est déclinée en lignes souples. Ce portrait est en buste. Les accroches-cœurs sont en boucles lovées. Le menton, le cou, le collier et la poitrine sont arrondis. Cette effigie est offerte et absente. Le point d’orgue réside dans cette bouche entrouverte et inexpressive à l’étrange vulgarité.

Jean-Auguste-Dominique Ingres

Montauban, 1780 – Paris, 1867

François 1er reçoit les derniers soupirs de Léonard de Vinci

1818

Huiles sur toile

Petit Palais

Paris

Jean-Auguste-Dominique Ingres

Montauban, 1780 – Paris, 1867

Henri IV jouant avec ses enfants au moment où l'ambassadeur d'Espagne est admis en sa présence.

1817

Huiles sur toile

Petit Palais

Paris

Jean Auguste Dominique Ingres

Montauban, 1780 – Paris, 1867

Portrait du compositeur Luigi Cherubini (1760- 1842) béni par la muse de la poésie lyrique Erato

Lens Louvre 

1840 - 1842

Huile sur toile

Le portrait est exécuté à Rome vers 1840 - où Ingres est alors directeur de l'Académie de France- avec l'aide de son élèves Henri Lehmann, à qui l'on attribue la figure de la muse. Il est repris après le retour de l'artiste à Paris.

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Jean Auguste Dominique Ingres 

Paris 

Cimetière du Père Lachaise

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